viernes, 16 de junio de 2017

Exposición La mística del Cuerpo. Habeas Corpus Ad Subicendum. Pabellón Cuba. 16 de junio- 31 de julio 2017



Con la colaboración de:



Desde los inicios de la civilización humana, prácticamente en tiempos de la prehistoria, el hombre se ha representado a sí mismo y en relación con su entorno en diferentes superficies. Incluso, su propiocuerpo se ha convertido en soporte de creaciones y modificaciones que realzan su estatus como objeto y sujeto de subjetividades. Por ello, en términos de figuración la presencia del cuerpo como forma representada es una de las más antiguas dentro de la historia de nuestra especie.
Múltiples son las batallas entre diferentes grupos de poder para establecer un canon sobre el cuerpo y normalizar sus relaciones con el universo circundante. Un cuerpo bello, un cuerpo atlético, un cuerpo saludable, un cuerpo erotizante, un cuerpo prohibido, etc. son algunas de las cápsulas de sentidos que cada día consumimos a través de los medios masivos de comunicación. Estas, articulan nuestras relaciones sociales y se convierten de forma subrepticia en prácticas y conductas reproducidas de forma acrítica e inconsciente en la mayoría de los casos.
Dentro de la construcción occidental del mundo, quizás pueda advertirse la dimensión política del cuerpo y su importancia desde los tiempos de la civilización romana en un elemento que ha llegado hasta nuestros días y podía marcar la diferencia entre un hombre libre y un esclavo: el habeas corpus. Analizando el origen de este concepto vemos que proviene del latín habeas corpus [ad subiiciendum] ‘que tengas [tu] cuerpo [para exponer]’, "tendrás tu cuerpo libre". Este concepto como recurso legal hoy en día también define el destino de un hombre ante los caminos de la libertad y la reclusión.
La muestra pretende explorar desde el arte, a partir de diferentes aproximaciones y soportes, esa capacidad polisémica (totalmente mística) que hace del cuerpo un tropo inagotable. El subtítulo, además de completar la intencionalidad temática, introduce e ilustra la operativa de la muestra. El artista expone parte de su cuerpo artístico y a sí mismo, queda desnudo ante el espectador y genera un diálogo con su(s) contexto(s). De aquí también que la muestra plantee una itinerancia como ejercicio de relectura y resemantización constante. Un proceso de carga y descarga de sentidos en relación con los espacios donde se muestre la exposición, escogidos con anterioridad, intencionalidad y claramente de forma premeditada; así como por la incorporación de determinados elementos locales que dialoguen con el tema en cada una de las sedes expositivas.
Esta exposición colectiva, ha sido organizada con el empeño de conectar artistas del ámbito iberoamericano en un espacio de diálogo y confluencia. A la vez, rinde tributo al 55 aniversario del Pabellón Cuba, sede de importantes exposiciones nacionales como internacionales.
Artistas participantes:
Juan José Barboza Gubo & Andrew Mrocezk, Jean Francois Boclé, Eduardo Caballero, Juan Castillo, Coco González, Pamela Iglesias, Carlos Martiel, Francis Naranjo & Carmen Caballero, Pablo Núñez, Bernardo Oyarzún, Raquel Paiewonsky, Iván Perera, Joaquín Sánchez, Mireia Tramunt, Rafael Villares, Patricio Vogel, Lili Zapata

Producciones de Francis Naranjo en el contexto de la exposición:
AL CIUDADANO LE CONVIENE TENER LA MISMA
NACIONALIDAD QUE DIOS (2013/2017)



Parte de una reflexión a cerca de (otra vez la condición humana) la relación del cuerpo con un condicionante concreto que es la situación de igualdad en la caducidad de nuestro contenedor; viviendo en una situación de hipocresía moral que discrimina por razas, sexos, nacionalidades, y otros factores.
Un espacio aséptico, con todos sus paramentos en blanco, donde en todas sus paredes cuelgan, a modo de cuerpos residuales, bolsas de drenaje con diferentes cantidades de contenido.
Cuerpos limpios, que anhelan la naturalidad en su relación con el otro, con una realidad truncada, desde siempre, marcada por la naturaleza humana, que complica y discrimina por el anhelo de poder y protagonismo, mezquindad y egoísmo.
La mística, sustituida por la religión, nos deriva a pensar en dios como ente unificador; la mística proviene del misterio y el misterio hace ilimitado al conocimiento.  Los objetos terrenales tienen su otro lado, y captar el otro lado de las cosas es darse cuenta de que lo visible es parte de lo invisible: eso es lo que hace la mística. El otro lado del misterio nos enfrenta con la idea de una única nacionalidad, que es donde habitará el ciudadano libre de prejuicios, acercándose a dios.

EL SECUESTRO (2017)




CUSTODIA (2006)


VIAJE A TIAWANAKU
HD. 19'15''. 2016
Banda sonora:  VibraZoyd. José Manuel López López
Voz en off inicial: Fernando Galán
Poema: Oración en el bar de la Rosa Blanca. Dionisio Cañas
Voz en off poema: Dionisio Cañas
Edición: Román Segura (Las Palmas de Gran Canaria).  Martín Pabón  (La Paz)






sábado, 10 de junio de 2017

Exposición "Lo que ha dejado huellas; Colección Galería Gabriela Mistral" en el Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos. Chile. Del 10 de junio al 7 de septiembre de 2017


Por primera vez desde su creación, hace 20 años, la Colección CNCA-Galería Gabriela Mistral es expuesta públicamente. La muestra “Lo que ha dejado huellas” estará en el Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos hasta el 7 de septiembre.

La exposición “Lo que ha dejado huellas; Colección GGM”, inaugurada este sábado, ocupa los 4.000 metros cuadrados del Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerillos. El cuerpo principal de esta exposición es una colección pública que contiene 175 trabajos de casi 150 artistas representativos del arte contemporáneo chileno de las últimas 2 décadas.
Además de las obras, están a disposición del público las 130 publicaciones de la editorial Galería Gabriela Mistral, documentación y parte de su archivo histórico, material que nunca antes se ha exhibido.
Curada por Magdalena Atria, artista visual, y Florencia Loewenthal, directora de la Galería Gabriela Mistral, la muestra “Lo que ha dejado huellas” agrupa obras que abordan una diversidad de ideas, que van desde la pregunta por el rol del arte en la sociedad y sus posibilidades expresivas, la construcción de alfabetos visuales a partir de objetos transformados en imágenes-signos, reflexiones en torno a la identidad, el rescate de elementos del arte popular y cultura urbana, hasta aquellas que apelan al sentido del humor y la ironía.
Para la directora del Centro Cerrillos, Beatriz Salinas, “esta muestra, la tercera de nuestro centro, reviste suma importancia, pues se trata de una colección del Estado de Chile que, por tanto, pertenece a todos los chilenos. Además, estos trabajos muestran una panorámica del arte contemporáneo chileno de las últimas décadas, una oportunidad única para ver a muchos artistas con diferentes lenguajes y estilos en un solo lugar”.
La distribución y el formato de la muestra, explican las curadoras, están concebidos a partir de un ensayo gráfico de la artista Patricia Israel que transforma un sistema de origen científico en un texto poético. En esta obra la artista reproduce un texto del arqueólogo Carl-Axel Moberg, diagrama que clasifica la realidad, por un lado, como lo que es accesible: lo que ha sucedido, que ha dejado huellas, que se ha conservado, que se ha descubierto y registrado. Por otro lado, lo inaccesible: lo que no ha sido registrado ni descubierto, lo que ha sido destruido sin que queden rastros. De este modo, los tres niveles del Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos permiten efectuar un recorrido ascendente desde el subterráneo (la realidad material directa, cotidiana, contingente) hasta el segundo piso (la realidad síquica, lo imaginado, la memoria).
Magdalena Atria dice que la muestra “surge de la generosidad de los artistas que han ido donando sus obras a la Galería Gabriela Mistral. Eso es algo muy bonito”.

Desde el año 2010, cada año, al menos 20 obras de la Colección CNCA-GGM han itinerado por distintas regiones del país, dando a conocer el amplio espectro
generacional que la compone y la diversidad de técnicas, estilos y discursos que contiene.
La Colección CNCA-GGM fue iniciada en 1995 por la periodista Luisa Ulibari, directora de la galería. Desde entonces se han ido incorporando, a modo de donación y comodato, obras de los numerosos artistas que han exhibido en la Galería Gabriela Mistral.
Hasta la fecha se han catalogado cerca de 200 obras y se han generado y rescatado documentos que componen el archivo de la colección. Además, se lleva a cabo permanentemente un trabajo de conservación preventiva para evitar el deterioro de las obras y en algunos casos restauración de los trabajos dañados, muchas veces en conjunto con el Centro Nacional de Conservación y Restauración (CNCR) de la DIBAM, autoridad en la materia.
Esta es la tercera exposición del Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos, desde su creación en septiembre de 2016, tras la muestra inaugural “Una imagen llamada palabra” y las obras del programa Traslado.

                                                                       Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos.  Santiago de Chile

Obra en Exposición de Francis Naranjo:
Iluminaciones Urbanas 1
DVD. 4'28''. 2004
Banda sonora de León y Bas






jueves, 9 de marzo de 2017

Vídeo VIAJE A TIAWANAKU. Producido para la Bienal de Arte Internacional SIART de Bolivia



 
 

Viaje a Tiawanaku es un homenaje a Marisa Naranjo de la Coba, madre de Francis Naranjo (fallecida en 2015 tras larga enfermedad), que se transforma en homenaje a todas las madres. Marisa Naranjo nunca salió de las Islas Canarias, siempre viajó a través de la memoria de los otros. Su vida fue singular: su separación matrimonial, abandonando a su marido embarazada de su único hijo y en plena dictadura franquista, le obliga a vivir con unos amigos (en Santa María de Guía) porque su situación le impide contar con el apoyo familiar. Una España pobre, rural y de moral hipócrita hace que su hijo sea su única obsesión.
Este vídeo se convierte en diferentes viajes. uno sensorial e iniciático, donde la banda sonora, las imágenes y el poema se funden para ayudarnos en ese desplazamiento al que nos conduce la condición humana a través de sus emociones; otro, el físico y tangible. Marisa, tras su fallecimiento, hace su último viaje a vivir la experiencia de Tiawanaku (Bolivia). Esta vez viajan sus cenizas para reanudar el periplo a través de nuestra memoria. Donde nos esperará para continuar el ciclo vital. 

Viaje a Tiawanaku (Journey to Tiawanaku) is a tribute to Marisa Naranjo de la Coba, Francis Naranjo’s mother (who died in 2015 after a long illness), which becomes a tribute to all mothers. Marisa Naranjo never left the Canary Islands, she always travelled via other people’s memories. She led a remarkable life: her separation from her husband, whom she left while pregnant with her only child and amidst Franco’s dictatorship, meant she had to live with friends (in Santa María de Guía) because her circumstances prevented her from seeking the help of her family. A rural Spain immersed in poverty and a hypocritical morality meant that her son was her only concern.
This video presents distinct journeys: a sensorial and initiatory one, where the soundtrack, images and poetry merge to help us on this passage which the human condition guides us on through its emotions; and another, physical and tangible. Following her death, Marisa embarks on her last voyage to experience of Tiawanaku (Bolivia). This time, it’s her ashes which travel, to resume the journey by way of our memory, where she awaits us to continue with the cycle of life. 
         

lunes, 16 de enero de 2017

Exposición colectiva PEQUEÑAS HISTORIAS DE LA VIDA CONYUGAL. Espacio O. Santiago de Chile




Pequeñas historias...nace como una experiencia creativa desde las relaciones en
pareja y en viaje, es nuestro primer trabajo en el cual exponemos juntos con la familia y es además la primera muestra de una serie de ideas, ganas, experiencias y exposiciones en las cuales queremos invitar a diferentes amigos que a su vez sean pareja ( en su amplio espectro del tèrmino ) a exponer con nosotros en diversas partes del mundo, creando un proyecto activo en lo emocional, en la estètica , en las ganas del viajar y el compartir experiencias de vida en común y vida de artistas, bienvenidos al viaje...

PEQUEÑAS HISTORIAS DE LA VIDA CONYUGAL
Este proyecto propone una investigación, basada en el desarrollo de un diálogo teórico y procesual acerca de dos historias, que pretenden abarcar la posibilidad de la construcción de un paisaje común. Reflexionando entorno a la relación o la ausencia entre lo pictórico y lo fotográfico, e insistiendo en la posibilidad de trabajar el paisaje como recurso para entender el entorno sociocultural, la localidad y las proyecciones, tanto personales, artísticas como políticas.
El nombre de esta propuesta – Pequeñas Historias de la Vida Conyugal - es influenciado por el título de la canción del grupo argentino Sui Generis “Pequeñas delicias de la vida conyugal”, de su álbum “Pequeñas anécdotas sobre las instituciones”. Estas estrofas también nos hacen recordar el collage del año 1956 de Richard Hamilton: Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing? (¿Pero qué es lo que hace a los hogares de hoy tan diferentes, tan atractivos?), a modo de re-semantizar lo que las imágenes hogareñas de la mitad del siglo XX en adelante han aportado a la construcción de un tejido de relaciones sociales.
En ese sentido, las letras de las canciones que escuchábamos en nuestra adolescencia, se pueden entender como imágenes/recuerdos, tanto como lo son los paisajes que cada uno carga en la memoria, o los objetos que uno fabrica para sostener el hogar: aquella familia extendida como institución emotiva. Una que se edifica a través de esas pequeñas cosas, así como si estuviéramos viviendo insertos en una vida/collage. Entendiendo que, desde ahí, es donde se puede edificar algo llamado espacio propio y donde la obra de arte -por sobre otras pretensiones- es capaz de articular todo, con el único fin de entender las complejidades de la mirada y de las proyecciones personales.
Entendemos esta experimentación como la posibilidad de aunar núcleos de obras y de obsesiones, que por separado significarían radicalmente otras cosas. Valga la comparación a la letra de una canción o a un collage, en donde la totalidad puede configurar recién un instante particular de interrelaciones emotivas.
Es por ello que cuando proponemos unir : fotografías, objetos, videos, pinturas y dibujos, lo que buscamos es contextualizar y proponer una lectura entre la obra, el público y los artistas, para volver a lo más básico: el poder de la sorpresa y el asombro de la asociatividad, quizás de la ficción de lo que podría pasar.
Buscamos lo inesperado, por ello una propuesta como esta la relacionamos con el viaje, en el sentido de contemplar su puesta en escena en un espacio en tránsito, en un lugar intersticial, en un territorio neutro, donde las lecturas y las junturas sean parte del proceso de reconocerse, pues en cada vez que uno viaje, se reconoce.
Los objetos tienen su propias poéticas, se trasvierten y sobreponen según los escenarios sociales. Pero, ¿qué es una relación conyugal?
Es sin duda más que la suma de las partes: se trata de las familias expandidas, de las historias de infancia, de las imágenes que nos han configurado nuestra manera de observar, de las lejanías y los sueños.
Proponemos que Pequeñas historias de la vida conyugal sea una puesta en valor de lo emotivo y lo político de las relaciones, por medio de los vínculos que producen los paisajes que nos circundan y las historias que nos edifican.


    Composición con imágenes de los trabajos de Francis Naranjo "Cosas de la vida"

     La paz armada. Francis Naranjo



Composición con trabajos de Coco González Lohse, Lilana Zapata y Eduardo Caballero, y Francis Naranjo (derecha superior, Memoria/Olvido)



jueves, 29 de diciembre de 2016

Ediciones de arte & poesía. Santiago de Chile


Momento de la presentación de las ediciones.
De izquierada a derecha: Juan Castillo, Francis Naranjo, Raúl Zurita, Carlos Javier Núñez y Fernando Balcells.

La idea curatorial que generó la estructura de montaje fue el nexo
entre recuerdos, experiencia y el cotidiano, confrontados a una
estructura de elementos de alta carga cultural. Para así reconstruir o reclamar 
como propio el texto y la obra plástica de las ediciones de Arte & Poesía. 
Establecer una intimidad entre espectador y objeto, planteando posibles nexos
que sean todos singulares, desde el estético al político.
Carlos Javier Núñe
    serΔRTE











PRENSA: 
                                                                     

https://www.arteallimite.com/2017/01/interdesign-presenta-proyecto-editorial-arte-poesia/
 








http://artishockrevista.com/2016/12/28/libros-objetos-juan-castillo-raul-zurita-francis-naranjo-dionisio-canas/

jueves, 1 de diciembre de 2016

DONT FORGET. exposición individual en Galería CO. Santiago de Chile


                                                                         Con la colaboración de: 



DONT FORGET

Proyecto expositivo que aglutina tres trabajos fechados entre 2015 y 2016:

- Antinatural. 2015

- Asterisco. 2015-2016

- Memoria/olvido. 2015

Esta es una oportunidad para ayudar a plantear/reflexionar sobre la fragilidad vinculada a la condición humana y situaciones que nos marcan modelos de conductas artificiales.

ANTINATURAL (2015)

Las relaciones humanas y las tensiones generadas por su convivencia animan a plantear estas piezas de componente hermético y aséptico que engañosamente dialogan desde la parte más distante de nuestra condición: el cuerpo, a través del frió metal. Tres piezas se enseñan aquí bajo este epígrafe:

- La luz, que es soportada por una pinzas quirúrgicas que a las vez son soportadas por unos resortes. Luz fría, emancipadora, que si bien ilumina también genera espacios de incertidumbre. Pendiente de alcanzar su plenitud ante la poderosa garra (desgarradora) de la inquietud del cuerpo, caduco, al igual que su luz.

- Los recuerdos, una fotografía adquirida en el Persa Bio-Bio de Santiago de Chile en el año 2015, donde un grupo de escolares de los años 60 abandonan su identidad, para ahora transcurridos unos cuantos años verse recogidos en una caja de acrílico inundada de hilos y agujas de sutura como símbolo de la memoria que ha de construirse a través de múltiples experiencias de sangrado y cocido, hasta alcanzar la madurez ahora enigmática de aquel grupo de jóvenes con ilusiones pasajeras.

- Las tensiones, puesta en escena teatralizada entre tiranteces múltiples, diferentes elementos con diferentes usos en la cotidianeidad hablan del esfuerzo que supone la relación entre individuos o colectivos. Otra vez piezas quirúrgicas que esta vez sacadas de su contexto ya no desgarran carnes, ahora soportan en sus extremos la fuerza de la compresión de su uso.



ASTERISCO (2015-2016)

El asterisco ahora se interpreta como comodín (Se entiende por comodín aquel símbolo que sustituye a cualquier carácter o grupo de caracteres), y éste como el elemento funcional que es capaz de sustituir a cualquier otro según nuestra conveniencia.

De esta manera las cuatro composiciones aquí presentadas bajo este epígrafe adquieren la idea de sustitución o de fórmula donde esté símbolo va más allá incluso de la función planteada.

en la parte inicial tres piezas se agrupan en una pared para generar una especie de gran fórmula matemática, vuelven a incorporarse elementos médico/quirúrgicos como constantes en la fórmula, nos remiten desde la concepción de los nuevos tiempos _tríptico entre corcheas con fotografías de: cementerio de disidentes en Valparaíso; gran mesa de piedra ceremonial  en la Isla del Sol, Lago Titicaca, donde en tiempos antiguos se sacrificaba a las jovencitas vírgenes que eran criadas en la Isla de la Luna en honor a Viracocha, donde en teoría se invirtió el giro del planeta, el oeste pasa a ser el este; y agrupamiento de camas de hospital sin uso en calle de Santiago de Chile_ donde está fórmula se convierte en el comodín de nuestra justificación.

A la aceleración del nuevo modelo de vida donde una máquina gigante corta una piedra de grandes dimensiones para facilitarnos una muestra de ella, como símbolo del nuevo comodín, el fetiche, la castración; la repetición de ellas organizan las ciudades y éstas nuestros modelos de vida.

Para finalizar la composición de esta gran fórmula con la exaltación del comodín, este símbolo de dimensiones mayores se presenta como el ofrecimiento de su potencial en sí, como el ofrecimiento de su uso para nuestro placentero devenir, otra vez se nos vuelve engañoso, en su interior aparecen de forma sutil tres cables tensados, estos cables se utilizan en las mesas de operaciones de los quirófanos para seccionar partes de nuestro cuerpo, tal como se nos presenta este nuevo símbolo: el asterisco, como el elemento, otra vez, castrador.

Una cuarta composición se nos presenta en el eje de la sala que divide los dos espacios: Asterisco y Antinatural.  Dicotomía que vincula las dos ideas propuestas como complementarias. El blanco frente al negro, dos polos apuestos que conforman unidad.


MEMORIA / OLVIDO (2015)

La memoria es un bien precioso pero sumamente expuesto a ser corrompido. Múltiples son los procesos y actitudes alrededor de la memoria, en la condición humana pasa por ser un valor efímero, siempre vinculado a unos protocolos de uso, a un mantenimiento en el engranaje de nuestros procesos, a veces impregnados en la retina, a veces en el baúl del olvido; o los procesos externos que se nos vienen como memoria (narración) de lo ocurrido. En fin, que esta facultad que le permite al ser humano retener y recordar hechos pasados, o en ocasiones, por su ausencia,  vivir la realidad desde otra dimensión. Aquí, en este proyecto expositivo, se nos ofrece a través de diferentes estadios, donde fotografías recuperadas de escenas domésticas de los años 50 del siglo pasado aparecen interrogándonos; o en composiciones donde cada uno de los elementos cuidadosamente seleccionados nos hablan de enigmas y de recuerdos que no son los nuestros, que no pueden ser recuperados por la ausencia de la narración en primera persona. La piedras vuelven a aparecer en las construcciones, en esta ocasión como contenedores de memoria, testigos mudos que han tenido que soportar el peso del tiempo para alimentarnos la atracción hacía lo tangible de una realidad inexistente, ¿dónde queda la memoria?.

La relatividad de todos los procesos vitales en el ser humano determina la imposibilidad del reconocimiento de lo que es nuestro, que en ocasiones se nos presenta "tan" pasajero, que en muchos casos ni siquiera podemos procesar esa experiencia, para acumularse en la dualidad memoria/olvido.

El último estadio presentado en este contexto, un conjunto de fotografías adquiridas en el  Persa Bio-Bio de Santiago de Chile (2015). Un niño que es fotografiado en sus primeros meses de su vida hasta que da sus primeros pasos. Parte de la memoria personal y familiar, en este caso, es adquirida por unos pesos, una sociedad en donde todo se compra y se vende, incluso la memoria, hasta alcanzar el "olvido", para en esta ocasión ayudarnos a entender que el enigma continúa estando presente. Ni las piedras ni el ser humano son propietarios ni de la memoria ni del olvido.  Quizás sí nos podrían conducir al encuentro con nosotros mismos a través de ese arma tan eficaz que llamamos atención. La pura observación se convierte en develadora, objeto de la transformación donde la verdadera vida está detrás de lo que nosotros llamamos vida.

Nota.- Las fotografías del niño de meses de vida fueron adquiridas en Persa Bio-Bio de Santiago en 2015. El personaje central de las fotografías de las piezas iniciales es la madre del artista, fallecida el mismo año de la producción de las piezas, después de padecer durante 6 años la enfermedad Alzheimer.







 
 






Artículo en EL MOSTRADOR 



Artículo de Carlos Navarrete en el nº 70-71 de la revista internacional art.es